Die wichtigsten Bewegungen der Kinogeschichte

Vor der Erfindung des Kameramanns, wie wir ihn kennen, wurden viele Erfindungen geschaffen, die Standbildern Leben einhauchten und als eine Form der Illusion und Unterhaltung auf Jahrmärkten verwendet wurden, viele Menschen sahen sie als magische und gespenstische Erfahrungen. Das Kino, wie wir es kennen, kam von den Brüdern Lumière, die Bilder aus dem wirklichen Leben wie ihr erstes Werk zeigten Arbeiter verlassen die Fabrik von Lumière. Obwohl die Kinobesucher anfangs davon fasziniert waren, Bewegungen auf einer großen Leinwand zu sehen, war es Méliès, der dieser neuen Kunst Fiktion hinzufügte. Der französische Regisseur fügte Bildern eine Erzählung hinzu, erschuf imaginäre Welten und zeigte viele klassische Geschichten im Film.

Diese beiden Arten, mit einer Kamera zu arbeiten, veranlassten Regisseure weltweit zu experimentieren und inmitten des großen Aufstiegs von Avantgarde Kultur begannen die Schöpfer, dem Kino künstlerische Züge zu verleihen. Werfen wir einen Blick auf die wichtigsten Bewegungen dieser Zeit:

Sowjetische Montage

Diese Bewegung entstand in den 1920er Jahren in der Sowjetunion. Es zeichnet sich vor allem durch die Montage ihrer Filme aus, die nebeneinandergestellte Bilder, um Bedeutung zu schaffen, da dies laut dieser Bewegung die einzige Möglichkeit war, zwischen Kino und realer Erzählung zu unterscheiden. Daher sind Regisseure wie Sergej Eisenstein erzählte Geschichten, bei denen der Schnitt des Films eine große Bedeutung für die Geschichte hatte. Die Filme wurden auch von der Sowjetunion verwendet, um die Arbeiterklasse der damaligen Zeit zu belehren.

Französischer Impressionismus

Französische Filmemacher haben die Regeln des Impressionismus in der Kunst auf das Kino übertragen von mit Licht und Schatten Bedeutung in der Erzählung des Films während der 20er Jahre darzustellen. Auch dieser Satz spielte mit nicht-linearer Erzählung und spielte mit unterschiedlichen Standpunkten. Jean Renoir und Jean Epstein sind zwei ihrer wichtigsten Persönlichkeiten.

Poetischer Realismus

Inspiriert von Realismus und Naturalismus Literatur und Autoren wie Èmile Zola und Tolstoi, französische Filmemacher wie Renoir wurden auch von der Idee angezogen, Charaktere der damaligen Gesellschaft mit einem sehr stilisierte Bilder. Aufgrund der politischen Zeit dieser Bewegung zeigten Filme Randfiguren, die um ihre letzte Chance auf Liebe kämpften.

Deutscher Expressionismus

Nach dem Ersten Weltkrieg lebte Europa in einem düsteren Geisteszustand. Aus diesem Grund folgten deutsche Filmemacher der expressionistischen Bewegung, um die zerbrochene Gesellschaft, in der sie lebten, einzufangen, indem sie der Landschaft und der Kunst große Bedeutung beimaßen und Bilder voller scharfer Winkel, verzerrter Figuren und seltsamer Formen schufen. Fritz Lang ist der produktivste Filmemacher dieser Bewegung, Regisseur von Metropole.

Surrealismus

Obwohl es sich nicht um eine Bewegung handelte, die an einer bestimmten Filmschule oder Epoche festgemacht werden konnte, stimmten es, dass während der Avantgarde-Jahre viele Filmemacher diese künstlerische Bewegung aufgriffen, um Filme zu kreieren, die ihre Träume, Albträume und surrealistischen Bilder vor der Kamera transportieren konnten , die nicht unbedingt eine Handlung hatte. Der Höhepunkt dieser Bewegung ist die Zusammenarbeit zwischen Künstler Salvador Dalí und Filmemacher Luís Buñuel und ihr berühmter Film Un chien Andalou.

Aufgrund der Tatsache, dass die Vereinigten Staaten den Ersten Weltkrieg nicht direkt erlitten haben, war die Filmindustrie in den Vereinigten Staaten viel anders und hatte eine große Chance, zu gedeihen. Wissen als Klassisches Hollywood-Kino, Filmemacher schufen die klassische Erzählung, die Normen festlegte, denen Filmemacher folgen mussten. Diese enthielten:

• Ursache-Wirkungs-Erzählung
• Lineare Zeitachse
• Die Schaffung eines Raums, der außerhalb dessen existiert, was der Zuschauer sieht

Diese Regeln wurden nicht nur während der Stummfilmzeit angewendet, sondern wurden auch angewendet, als das Kino Ton erhielt. Diese Regeln wurden von der neugeborenen Industrie Hollywoods angewendet, die zu dieser Zeit zur größten der Welt wurde, indem sie die Studiosystem, was Millionen von Dollar bewegte.

Obwohl es keine Bewegung an sich ist, hat das klassische Hollywood-Kino eine allgemeine Norm in das Kino gebracht, daher zielten alle Bewegungen, die nach dieser Ära entstanden, darauf ab, die etablierten Regeln dieser Branche zu brechen. Weitere Informationen zu diesem Thema finden Sie in unserem Artikel über Klassische Hollywoodfilme.

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die Die europäische Filmindustrie war stark betroffen Es dauerte jedoch eine Weile, bis die Filmemacher nach dem Aufstieg des Hollywood-Kinos wieder auf den richtigen Weg kamen, um ihre eigene Sprache und Vision des Kinos zu entwickeln.

Italienischer Neorealismus

Die Bombardierung von Cinecittà (dem wichtigsten italienischen Filmstudio) machte Filmemacher wie Roberto Rosellini und Visconti die Studios verlassen, um an realen Orten zu filmen, mit nicht professionellen Schauspielern und minimalen technischen Ressourcen.

Nouvelle Vague

Vielleicht weil diese Bewegung später nach dem Krieg (1959) begann, experimentierte die Nouvelle Vague-Bewegung mit einer lebendigeren Sichtweise, obwohl ihr Hauptcredo war, alle klassischen Regeln brechen. Resnais, Godard, Truffaut und Demy brachen die linearen Erzählungen und ließen beim Filmen Raum für Improvisation, indem sie dem Drehbuch weniger Bedeutung beimaßen.

Kostenloses Kino & Britische neue Welle

Auf den Spuren der Nouvelle Vague war Free Cinema eine Bewegung, die 1956 ins Leben gerufen wurde und die bis dahin etablierten Regeln brechen wollte. Das Hauptziel dieser Bewegung war es, Dokumentarfilme erstellen, die denen, die für Propaganda erstellt wurden, völlig widersprechen während des zweiten Weltkriegs.

Diese Bewegung war der Einfluss für die britische New Wave, die darauf abzielte, Den Status Quo herausfordern der damaligen Zeit und interessierten sich mehr für soziale Themen als ihre französischen Kollegen.

Polnische Schule

Eines der am stärksten vom Zweiten Weltkrieg betroffenen Länder war Polen. Dies hat jedoch nicht aufgehalten die Filmschule Lodz in den 50er Jahren zu einem der prestigeträchtigsten in Europa zu werden. Beeinflusst vom Neorealismus brachte die Schule Filmemacher wie Andrej Wadja und Roman Polanski um die Folgen und Schrecken des Krieges darzustellen, den sie gerade erlebt hatten.

Filmhochschule Barcelona

Nach dem Zweiten Weltkrieg blieb Spanien unter der repressiven Diktatur von General Franco, der schwere Zensur an die Filmindustrie. Nach der Nouvelle Vague und der Pop-Art kämpfte jedoch eine Gruppe katalanischer Filmemacher in den 60er Jahren gegen die Zensur, wie es Filmemacher wie Luis García Berlanga ein Jahrzehnt vor ihnen getan hatten; indem sie unabhängige und experimentelle Filme kreierten, die sich dem populären spanischen Folklore-Kino widersetzten. Fata Morgana von Vicente Aranda ist der bekannteste Titel.

Der Untergang des Filmstudiosystems und die Ankunft europäischer Filmemacher die vor dem Zweiten Weltkrieg geflohen waren, brachten neues Licht nach Hollywood und ermöglichten es Filmemachern, die klassischen Hollywood-Regeln zu übertreten und ihre europäischen Kollegen nachzuahmen.

Film Gören

So heißen Filmemacher, die sich dem sogenannten Studiosystem widersetzten und das Kino als eigene Kunst verstanden, ohne weiteren Einfluss außer dem Film selbst. Direktoren wie Francis Ford Coppola, Steven Spielberg und Martin Scorsese, brach nicht die Regeln des klassischen Hollywoods, sondern gab einen breiteren Blick auf die Kunst des Kinos und öffnete den Themenhorizont für eine Welt von Gewalt, Drogen und Sex.

Direktes Kino

Als Alternative zum Mainstream-Hollywood wurde Direct Cinema von europäischen Bewegungen beeinflusst und beleuchtete soziale Themen durch Realitätssinn.

Obwohl New-Wave-Bewegungen langsam verblassten oder in einen alternativeren Kreis eintraten, während Hollywood wieder aufstieg, gab es mehrere Filmemacher, die immer noch übertraten finde neue erzählungen und bereichern die Sprache des Kinos und tun dies bis heute.

Kino vérité

Obwohl es in den 50er und 60er Jahren einige Beispiele gibt, war Cinéma vérité in den 70er Jahren bei Experimentalfilmern sehr beliebt. Es ist eine dokumentarische Bewegung, die darauf abzielt, die Realität mit der Kamera einfangen. Gute Beispiele sind gib mir Obdach von den Maysles Brothers, die den Rolling Stones auf Tour folgten.

Neues deutsches Kino

Die deutsche New Wave kam etwas später als der Rest ihrer europäischen Pendants, da sie erst Ende der sechziger Jahre auftauchte und bis in die 80er Jahre andauerte. Werner Herzog, Wim Wenders und Rainer Werner Fassbinder produzierte Low-Budget-Filme, die sich der aktuellen deutschen Filmindustrie zugunsten einer künstlerischeren und eigenständigeren Vision des Kinos widersetzten.

L.Eine Rebellion

Beginnend Ende der 60er Jahre und bis in das letzte Jahrzehnt des XX. Jahrhunderts kriechen L.A Rebellion war eine Bewegung mit Sitz in der kalifornischen UCLA, die von afroamerikanischen Filmemachern ins Leben gerufen wurde die Anwesenheit schwarzer Filmregisseure anerkennen und dem klassischen Hollywood-Kino trotzen.

Kino du schaust

Frankreich entstand aus der Nouvelle Vague, aber die 80er brachten eine neue Generation von Filmemachern wie Luc Besson, Leos Carax und Beieix, die von der Movie Brats-Generation beeinflusst waren, ihr aber eine stilistischere und alternative Wendung gaben. Filme wie Nikita, Les Amants du Pont-neuf, dargestellt mehr Punk und Untergrundgesellschaft.

Dogme 95

Diese Bewegung wurde gegründet von Lars von Trier unter anderem ist einer der wenigen, der tatsächlich ein Manifest hat, das befolgt werden sollte, damit ein Film als Dogme 95 angesehen wird. Diese Filmemacher wurden 1995 gegründet und wollten das Kino reinigen und seinen reinsten Ausdruck finden durch nach neun Regeln wie die Verwendung von realem Ort und Ton, das Verbot, optische oder technische Arbeiten außerhalb der Kamera zu filtern und die Tatsache, dass der Regisseur nicht genannt werden soll.

Mumblecore

Die jüngste Bewegung kommt aus den USA und wurde 2002 ins Leben gerufen und ist eine unabhängige Bewegung, die sich durch a naturalistische Sicht das beschreibt Geschichten, die die Ästhetik des Films verbessern. Zu den bekanntesten Filmen zählen Frances Ha von Noah Baumbach und Funny Ha Ha von Andew Bujalski.

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